Ang Lee filma a 120 cuadros por segundo



Ang Lee filma su última película a 120 cuadros por segundo. . .
Esto requiere hacer un breve repaso histórico, a vuelo de pájaro, sobre velocidades de filmación y proyección. En los comienzos del cine, época muda, el cameraman con cámara fija, hacía girar la manivela a 16/18 cuadros por segundo que se  proyectaba a esa misma velocidad considerada como el mínimo indispensable para ahorrar film y que el parpadeo no molestara al espectador. Más tarde cuando hizo aparición el sonido, y su banda óptica iba incorporada al film, hubo que aumentar la velocidad de rodaje y proyección a 24 cuadros, también mínimo indispensable para su óptima reproducción sonora. Ese fue el standard hasta el día de hoy; es por eso que cuando se proyectan films de la época muda, la aceleración de las acciones pasan a ser un agregado adicional a los gags de las comedias que fueron filmadas a 16 cuadros por segundo.
Ang Lee - 66eme Festival de Venise (Mostra) 2.jpgMás tarde el advenimiento de la publicidad y los videos-clips, en busca de efectos especiales, fueron los pioneros de alterar las velocidades de registro hasta números inauditos: desde stop-motion (cuadro x cuadro), hasta 10.000 cuadros por segundo (cámaras especiales) sobre todo en centros atómicos para registrar algún fenómeno difícil de visualizar.
Vuelvo al título de comienzo. . . Ang Lee filma “Billy Lynn’s long halftime walk” (“La larga caminata de entretiempo de Billy Lynn”) en 3D y no sólo en alta definición 4K, sino a 120 cuadros por segundo y proyectada a 120 cuadros por segundo !!, en las dos únicas salas en EEUU.
Ang Lee director taiwanes con dos Oscar a cuestas y varios éxitos, entre ellos “Secreto en la montaña” y “El tigre y el dragón”, ayudado por su Director de Fotografía John Toll y consultando a Douglas Trumbull (el especialista en efectos especiales de “2001 odisea del espacio”), se decidió en rodar a casi cuatro veces más que la habitual velocidad de 24 por segundo. El resultado le da al film un aspecto casi hiperrealista, magnificando la claridad visual hasta un punto inquietante. Pero filmar a esa velocidad en 3D vuelve técnicamente muy complicado el rodaje evitando prácticamente las retomas, suprimiendo el maquillaje a los actores y aumentando el parque de luces; por lo cual la filmación se volvió particularmente muy dura.
  Es la primera película que se rueda a esta velocidad que más que duplica hasta ahora la de “El Hobbit” rodada a 48 cuadros.   
Rogelio Chomnalez (ADF)

IMÁGENES DE MISTERIO

Vivian Maier (1926-2009)

Vivian Maier
   Luego de observar su enorme cantidad de fotos y corroborarlo en paralelo con su misteriosa vida privada, me dio pie a volverme yo también un investigador igual que John Maloof, descubridor casual de gran cantidad de negativos de esta desconocida “niñera” fotógrafa. Maloof, agente inmobiliario, buscaba en 2007 fotos de Chicago para ilustrar un libro de su autoría, cuando de casualidad, en una subasta frente a su casa adquirió por unos 400 dólares una caja llena de negativos desconocidos. Como autora figuraba una tal Vivian Maier. Maloof comenzó a revisarlos y llego a la conclusión que no le servían para su libro y los dejó de lado por un largo tiempo. Más tarde por curiosidad comenzó a escanear muchos de ellos que le llamaron la atención y así fue descubriendo que allí había un trabajo interesante. Busco en Google “Vivian Maier” y no encontró nada; siguió escaneando, los subió a internet y así pudo contactarse con otros coleccionistas de los que adquirió más negativos de Maier ya decidido a reconstruir su obra completa y descubrir quién era esa persona detrás del lente. El resultado fue “Finding Vivian Maier” (2013) co-dirigido por Charlie Siskel y el propio Maloof y nominado a los Oscar en la categoría mejor documental.
   El misterio que narra Maloof-Siskel en torno a la vida de la artista, se volvió tan interesante como su obra. Nacida en New York en 1926, pasó su infancia entre Francia y EEUU y en 1956 se mudó definitivamente a Chicago donde trabajó de niñera por más de 40 años . Con una cámara Rolleiflex siempre colgada de su cuello, tomó en forma obsesiva y compulsiva una enorme cantidad de fotos que nunca mostró a nadie: 100 mil negativos blanco y negro!  2 mil rollos de película blanco y negro y otros 700 en color sin revelar !! Su trabajo muestra escenas callejeras de Chicago y Nueva York entre 1950 y 1990 y constituye un fabuloso documento urbano de época.
John Maloof
   En su investigación, Maloof dio con el paradero de personas que la conocieron. Entrevistó a algunas de ellas que fueron incluidas en el documental. Sus antiguos empleadores opinaron que era solitaria, excéntrica y misteriosa, con algún lado oscuro en su vida que la puede haber afectado de niña. La familia Gensburgs, donde Vivian trabajó 17 años, regaló a Maloof dos grandes cajones con pertenencias de Maier que iban a tirar a la basura. No sólo contenían más negativos, sino todo tipo de objetos diversos: tickets, boletos, recibos, recortes de diarios, varias cámaras fotográficas de 35mm., una filmadora súper 8, etc., etc.. . .pareciera que sufría un “síntoma de retención”: no
tiraba nada!!
   En una de las películas en 8mm., que Maloof encontró, Maier había filmado su idea del paso de la vida:   
               “Tenemos que dejar sitio a los demás. Esto es una rueda, te subes y llegas al final, alguien     más tiene tu misma oportunidad y ocupa tu lugar, hasta el final, una vez más, siempre igual. Nada nuevo bajo el sol”
   Hacia el final de su vida quedó sin vivienda, pero los tres hijos Ginsberg, a los que había cuidado de niños, le pagaron el alquiler de un apartamento y cuidaron de ella hasta su fallecimiento en 2009.
   Rogelio Chomnalez (ADF)
anuario 2016




Cuatro días a puro cortos!

   CUATRO DÍAS A PURO CORTOS!
   Vi todos (79 en total), pero tuve que elegir uno de la Competencia Argentina (14 cortos) para asignarle el premio ADF, me estoy refiriendo a  SHNIT  INTERNATIONAL  SHORTFILMFESTIVAL; y la elección cayó en:  “Fantástico” de Tomas Sposato.
así quedé luego de ver los 79 cortos 
   “Shnit” nacido hace 14 años en Berna, Suiza, se autotitula como el festival de cortometrajes más grande del mundo. Entre el 5 al 9 de Octubre se proyectó simultáneamente en Berna, Bangkok, Buenos Aires, Cairo, Ciudad del Cabo, Hong Kong, Moscú y San José. Desde una duración de 2  a 35 minutos, la muestra estaba integrada por vivo/ficción, animados y documentales de todos los países del mundo:  Polonia, Nueva Zelanda, Alemania, Reino Unido, Rusia, Austria, Israel, Países Bajos, Bélgica, España, Suiza, Francia, Canadá, EEUU, Ucrania, Slovenia, Sudáfrica, Croacia, Siria, Suecia, Argentina, Italia, Grecia, Portugal, Japón, Kirguistán, Dinamarca, Australia. Una característica de la mayoría, es la riqueza de producción, la excelente factura de realización y que a pesar de ser cortos, están hechos con una importante inversión de dinero. Los realizadores que intervienen en la competencia, compiten por cinco premios de $ 20.000.- cada uno que incluyen también el voto de los espectadores y su asignación se hará en New York.
   Ideas ingeniosas y algunas deslumbrantes colmaban este semillero de futuros realizadores de largometraje !

Rogelio Chomnalez (ADF)

Se estrena "Tangerine"

Se estrena "Tangerine" !
. . .película a la que Marcelo Iaccarino, Hugo Colace y un servidor otorgaron el premio a la mejor Dirección de Fotografía en el último festival de Mar del Plata del año pasado. Aunque la película es muy buena en su guión, esta vez solo quisiera hacer incapié en su fotografía y como ésta contribuyo a realzar la trama de la misma. Sean Baker, director, tomo la desición de registrar la misma con dos celulares IPhone5 por varias razones, según cuenta en una entrevista: el bajo presupuesto, y no llamar la atención en locaciones peligrosas de los barrios marginales de Los Angeles, lugar donde transcurre la mayoría de las escenas con una cámara que sigue a las protagonistas en un ritmo incesante haciendo un registro nervioso y vital que contribuye al tema. Mas tarde, esa elección de registro, definió la calidad del film que no hubiera sido posible de otra manera. Filmada casi toda en exteriores, fueron muy bien elegidos los escenarios (gran cantidad de paredes con hermosos grafitis), y la luz mágica de los atardeceres. El rodaje fué apoyado por un adaptador de lentes anamórficos adosados al cuerpo del teléfono y posteriormente sufrió un extenso proceso de post producción que saturó los colores y le dió un look hiperrealista. En esta comedia histérica, también se destaca la pista sonora: diálogos vertiginosos y una buena elección musical que profundiza el ritmo de esta historia enloquecida.
Dirección de Fotografía:  Sean Baker y Raium Cheung
-Quisiera aprovechar esta nota para hacer mención de otro acontecimiento simultaneo de estos días: Finalizada la duodécima "Pantalla Pinamar", gano como mejor película "Eva no duerme" de Pablo Aguero, film argentino que también concurso en Mar del Plata, junto a "Tangerine" y nosotros le otorgamos una mención a la fotografía que nuestro colega Iván Gierasinchuk logró aportar una admósfera de extrañamiento onírico.


Rogelio Chomnalez (ADF)
Notas para la web
(15-09-2016)


DRONES (para la paz, no para la guerra). . . y algunas pocas cosas mas



   Había prometido una nota sobre Drones. Hace tiempo que tuve la idea de escribir algo cuando recién asomaba en el horizonte como novedad, por supuesto iba a ser una nota mayormente técnica. Puse esa palabra en el buscador de Google para ampliar información y me encuentro con una infinita variedad de datos de todo tipo: fotos, dibujos, videos de esos aparatejos, diferentes tamaños, pesos, autonomías, ideas de uso fantástico, hasta explicaciones  de como construirse uno mismo, pequeños en su casa. . . resultado: -me pregunto que sentido tendría la nota, si aquella persona interesada tenía todo servido en internet. . . sumado a que cada vez que tomaba la lapicera me asaltaba una idea para desarrollar un guión con drones como protagonistas, guión, bueno, una idea que algún profesional podría desarrollar. Comenzaría como "Los pájaros" de Hitchcock, el drama de esos plumíferos que atacan a los humanos y que arranca irónicamente con el personaje principal ingresando a una pajarería comprando un par de cotorritas para llevar de regalo. En este caso un niño de la mano de su padre en una tienda con intenciones de adquirir un drone como juguete. En la rutina de una gran ciudad, esta escena se repite en diferentes negocios con diferentes personajes, alternando con primeros planos de relojes de pulsera que se intuye estan siendo sincronizados. Plano general de la ciudad. En el horizonte divisamos una nube negra que avanza como plaga de langosta: drones con carga mostífera?, terrorismo?; no voy a revelar el misterio, de verdad porque no lo se,( je, je). Conte solamente algunas escenas. Habría que desarrollar un libro. Y hablando de guiones, hace un tiempo fantasié entrar al "Libro Guinness de los récords haciendo un film que durara 24 hs., el título: "Prohibido estacionar las 24 hs., entrada y salida de camiones", sí!! ya se lo imaginan, camiones que entran y salen lo que dura el film. No es una idea muy artística, pero la finalidad esta vez es ingresar al Guinness!. . . pero he aquí que un Sr. inglés llamado Christian Marclay me ganó de mano. Se trata de un film de 24 hs. compuesto por miles de fragmentos de películas en que figura la hora exacta de la escena, ya sea por la aparición de un reloj en cuadro o por mención de los personajes: "The Clock". Es una idea muy simple, pero su armado fué un trabajo enorme. Tras 24 hs. de reproducción, el film vuelve a comenzar. Cualquier cuadro puede ser el final o el principio; una especie de "sin-fin". La película es sincronizada con la hora oficial de modo que al verse en la pantalla un reloj dando las 09.35, es en efecto en la sala donde esta siendo proyectada las 09.35.
Christian Marclay
   Pero volvamos a los drones. Nuevamente la industria militar armamentista proporciona a la vida civil un elemento derivado de sus fabricaciones, aplicable a la fotografía y cinematografía, como anteriormente el Dynalens, el amplificador lumínico X10 o el Steadycam. Es tal la proliferación de estas naves de control remoto, que ya se estan dictando leyes de seguridad para el uso en el espacio aéreo. Hubo un par de accidentes y un comercial que se estaba filmando cerca del Aeroparque, hizo interrumpir vuelos por seguridad.
   Las últimas novedades presentada en la CES (Consumer Electronic Show) en la feria de Las Vegas en enero pasado, fueron entre otras un Phantom 3 Professional, un drone que filma en 4k (calidad superior al full HD), uno de sus trucos: si se le indica que se quede en una posición, aunque se lo tome con una mano y se lo mueva hacia cualquier lado, siempre regresa al lugar indicado. Se puede alejar hasta dos kilómetros de su dueño, a un máximo de 120 metros de alto. Otro un Typhoon H, su aporte: tiene un sensor frontal que evita que el drone choque contra cualquier obstáculo. A prueba de torpes, garantizado. Pero la gran novedad fué un drone capaz de trasladar una persona delgada: límite 100 kg
   Colegas, a sacar el Brevet de Piloto !!

Rogelio Chomnalez (ADF)
anuario 2015



                                                                                                                   

Primer festival ADF cortos

-Mar del Plata, BAFICI, Pantalla Pinamar, DOC Buenos Aires, Cine Migrante, Derechos Humanos, Festival Cine Inusual, Bs. As. Rojo Sangre, etc., etc. . . . y a partir de este año: “Festival de Cortos ADF”. No sé en el resto del mundo, pero en Argentina, pienso que es el único festival para Directores de Fotografía. Como opinó Hugo Colace al abrir nuestro 1er. Catálogo de la muestra –“es la única vez que observo frente a cada película que compite, el nombre del Director de Fotografía más grande y destacado que el del Director del film”.
Rotundo éxito que nos entusiasmó  para darle continuidad a partir de este año, estimulando mayormente a las nuevas generaciones de estudiantes en las numerosas escuelas de cine.
Se seleccionaron 18 cortos de una convocatoria que reunió a 60 y se otorgaron:
-Premio ADF a la mejor fotografía a Emanuel Cammarata por el corto “Evelyn” (directora Andrea Braga)
-1era. Mención a la fotografía a Tatiana Zukierman por el corto “Traviata” (directora Mercedes Arturo)
-2da. Mención a la fotografía a Maximiliano Rodriguez Siracusa por el corto “Y me odié” (director Augusto Sinay)
-3era. Mención a la fotografía a Darío A. Lugli por el corto “Trata” (director Víctor Postiglione)
-Premio del Público a María Fernanda López por el corto “Te pienso, amor” (directora María Fernanda López)
Evelyn
El jurado estuvo integrado por Eli Sirlin, Rodolfo Marco Pagliere, Julian Giulianelli (PCI), Hugo Colace (ADF) y quién les habla Rogelio Chomnalez (ADF).
Fueron cuatro jornadas en las salas del Centro Cultural San Martín, divididas en: 
Primer día proyección de cortos históricos de socios de ADF
Segundo y tercer día proyección de los 18 cortos seleccionados (quiero destacar que debido a la gran concurrencia de público y por la capacidad de la sala, hubo gente que no pudo ingresar)
Cuarto día entrega de premios y proyección de los cortos ganadores.
De esta primera experiencia esperamos corregir para el futuro, pequeños errores cometidos y que fueron tomados con mucha comprensión y simpatía por todos los presentes.

                                                                                          Rogelio Chomnalez (ADF)
                                                                                          Anuario 2015

Los Oficios del Cine: Dirección de Fotografía



Participación en el programa "Los Oficios del Cine" de Sergio Wolf, emitido por el Canal de la Ciudad.

Cortometraje "Los pocillos"





"Los pocillos" (1975)
Dirección: Alberto Fischerman
Basado en el cuento de Mario Benedetti
Con Lautaro Murúa, Norma Aleandro y Emilio Alfaro




GOOOL!! - ¡Cómo se grabaron los partidos del mundial Sudáfrica 2010!


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En la década del `50, Delmer Daves, director del que considero el mejor film de cowboys, “El tren de las 3:10 a Yuma” (1957; DF Charles Lawton Jr.), en otra película del mismo género, que no recuerdo su nombre, “embelleció la muerte”. En efecto, uno de los personajes recibe un balazo dentro del clásico saloon y sale despedido a la calle rompiendo vidrios de una ventana, la novedad?: utilizó el ralenti o cámara lenta por primera vez. El espectador no acostumbrado a este efecto, recibió con sorpresa y agrado éste embellecimiento de la muerte.
Han pasado 50 años. Mundial SouthAfrica 2010. Los replay de los goles o jugadas importantes con cámaras HD en Ultra Hight Speed, nos brinda en la pantalla un verdadero ballet entre los jugadores, que pienso que hasta el mismo Julio Bocca debe envidiar. Suspensión en el aire del arquero totalmente horizontal por un par de segundos, detalles de rostros sudorosos con los pelos volando, escupitajos y puteadas que identificamos por los labios, entrecruces de piernas, tironeos, empujones y caídas, etc., etc., conforman un conjunto de detalles imposibles de ver estando como espectador en el mismo stadium.
Años ha, los partidos que se filmaban con película y se incluían a los noticieros de los cines: Sucesos Argentinos, NoDo español, Movitone de EEUU, contaban con un esquema básico de tres cámaras: una en la línea divisoria a mitad de la cancha y dos mas cubriendo cada arco. Mas tarde Brasil en su apogeo, con Pelé a la cabeza, conformó un equipo especial para filmar sus encuentros que se destacaban del resto (seguramente incorporando un mayor número de cámaras). En mi brevísima experiencia de pequeñas tomas de un partido de football que me tocó filmar para un comercial, me di cuenta lo imposible que era tratar de seguir la pelota o cualquier jugada en detalle. Decisión in situ: abrir el zoom y registrar en plano general.
Llegamos en estas instancias a un mundial donde se mueven cifras impresionantes de inversión, porque generan cifras aún más impresionantes de ganancia, y donde no se escatima nada para brindar un espectáculo acorde a ello. Sumado a la experiencia acumulativa de anteriores encuentros y al avance progresivo de la tecnología, es que surgen estos gráficos que acompañamos con esta nota, en donde solo mostramos lo que atañe a la captación de la imagen.
Ya en el mundial 2006 fueron 26 cámaras, incrementando ahora a 32 de múltiples lados, todas en Hight Definition, formato 16/9 con lentes Fujinon de diferentes distancia focal y cada una con una función específica, incluidas Super Slow Motion y Ultra Motion (graban entre 300 y 1000 fotogramas por segundo); dos Steadycam inalámbricos y la gran estrella: la cámara aérea (Spidercam). Aparte de la clásica en helicóptero, que solo se usaba antes del comienzo del partido y para otros eventos, la gran novedad fue una cámara montada sobre cuatro rieles con cables de acero y en su interior la fibra óptica, que atraviesan el estadio por arriba de punta a punta y cuyo desplazamiento, subida y bajada es operada por dos personas.
Ya se esta hablando que en un futuro, al igual que en tenis, la repetición de ciertas jugadas dudosas permitirían a los jueces definir su resultado.
Todo lo anterior implica la transmisión oficial internacional, a su vez cada noticiero de los diferentes países podían comprar puestos para incluir sus grabaciones locales: la hinchada, entrevistas, vestuarios, etc. Por ejemplo Canal 7 desplazó tres cámaras para ello.
Por último y como primer experimento, Sony colocó siete cámaras en 3D para registrar algunos partidos puntuales y que solo pudieron ver en directo en EEUU y España.
Tratemos que esta nota la lean la menor cantidad de gente, no vaya ser que en el mundial 2014 todos prefieran quedarse cómodamente sentados frente a su plasma y renunciar a cubrir las gradas en los futuros estadios con sus camisetas blanquicelestes y nuestros muchachos pierdan el grito de aliento tan necesario de la hinchada.


Revista ADF, Nro. 30 - Agosto 2011
Rogelio Chomnalez (ADF)
Agradecimiento a:
Marcelo Candotti, Cameraman de Canal 7.

Había una vez...


...un señor que nos obligaba a no llegar tarde a las funciones cinematográficas, caso contrario, corríamos el riesgo de perder lo mejor de la película; me estoy refiriendo al diseñador de títulos Saúl Bass (1921/96).
Desde 1954 con Carmen Jones de Otto Preminger, hasta Casino (1995) de Martin Scorsese, estampó su sello inconfundible en 55 films. Pero es recién en El Hombre del Brazo de Oro, su sexto trabajo, también de Preminger, que su nombre comienza a resonar en Hollywood. De allí en más colaboró con los más renombrados directores, entre ellos: Billy Wilder, Robert Aldrich, Carol Reed, Alfred Hitchcock, Stanley Kubrick, John Frankenheimer, Ridley Scott.
Anteriormente, los títulos se estampaban directamente sobre un fondo negro a modo de información, sin ningún criterio.
Conocedor de la importancia que tienen los primeros instantes de una película en el ánimo del espectador, Bass transformó a éstos en una pequeña obrita de arte. Con la menor cantidad de recursos, muchos de ellos con un estilo abstracto, introduce una síntesis del mensaje del film.
Mi mayor desafío, declaró cierta vez, es satisfacer mis propias expectativas, y hablando de su particular concepto de la creatividad, agregó: - tomar algo conocido, aún trillado y tratarlo de tal manera que se transforma en una experiencia fresca; algo así como transformar lo común y corriente en extraordinario.
Bass se dedicó también al diseño gráfico en general creando numerosos logotipos y dirigió alguna que otra película, ganando un Oscar en 1968 por su cortometraje Why Man Creates.


A partir de sus creaciones, Saúl Bass abrió el camino a todo una corriente innovadora en los años 60: Los dibujos de la Pantera Rosa, originalmente para los créditos de las películas de Blake Edwards, a cargo de Friz Freleng; Maurice Binder y Robert Brownjohn para los films de James Bond; mas recientemente, en diseño contemporáneo, Kyle Cooper en los créditos de Seven; Dan Perry en La Guerra de las Galaxias (1977) y Robert y Richard Greenberg en la apertura y títulos de Superman (1978).
De las películas que vi, la que mas recuerdo es su trabajo en un film menor de 1962, dirigido por Edward Dmytryk, Walk on the Wild Side, creo que aquí se estrenó con el título Por los Bajos Fondos. En los créditos, siempre al estilo Bass, hace una síntesis de la historia, reemplazando a los dos personajes del film, por dos gatos: uno negro y otro blanco que deambulan por las calles nocturnas de una ciudad, cada uno en sentido contrario hasta un encuentro que culmina en una feroz pelea; uno triunfa y queda dueño del territorio y el otro se retira vencido. Esta simple narración está maravillosamente filmada y recuerdo haber leído en su época, sus comentarios referidos a las grandes dificultades de trabajar con esos dos animales. Por ejemplo, la pelea no existió, la tuve que crear por montaje y banda sonora, comentaba Bass, sin embargo yo la recuerdo como algo maravillosamente resuelto. La proyección abre con pantalla totalmente negra, en ella surge un par de ojos, la cámara comienza a retroceder y notamos que esta saliendo del interior de un enorme caño de desagüe, los ojos avanzan a cámara y al llegar al exterior descubrimos al primer gato. Con cámara a ras de la calle, en otra secuencia, sigue por la acera en travelling a uno de ellos en ralenti, y así sucesivamente en numerosos y diferentes encuadres, alternando uno que avanza de izquierda a derecha y el otro viceversa, intercalando los créditos, culmina en el mencionado encuentro, pelea y final.
He aquí algunos otros films mas conocidos en los que intervino: - La Vuelta al Mundo en 80 Días (1956, Michael Anderson) – Trapeze (1956, Carol Reed) – Buenos Días, Tristeza (1958, Otto Preminger) – Vértigo (1958, Alfred Hitchcock) – Horizontes de Grandeza (1958, William Wyler) – Intriga Internacional (1959, A. Hitchcock) – Anatomía de un Asesinato (1959, O. Preminger) – Psicosis (1960, A. Hitchcock) – Espartaco (1960, Stanley Kubrick) – Éxodo (1960, O. Preminger) – Amor sin Barreras (1961, J. Robbins y R. Wise) – Grand Prix (1966, John Frankenheimer) – Seconds (1966, J. Frankenheimer) – La Guerra de los Roses (1989, Danny De Vito) – Buenos Muchachos (1990, Martin Scorsese) – Cabo de Miedo (1991, M. Scorsese).
Ah!. . ., me olvidaba de comentar que algunas veces, aunque uno llegara temprano, de todas maneras también se perdía los títulos, ya que los cines de aquella época contaban con enormes y pesadas cortinas que cubrían la pantalla (¿reminiscencias del teatro?), el proyectorista pulsaba el botón de su lenta apertura conjuntamente con el encendido de la proyección; como resultado, cuando esta había descubierto totalmente la pantalla, la mayoría de los créditos estaban finalizando.

Rogelio Chomnalez
Revista ADF, Nro. 27 - Octubre 2009





¡QUÉ LARGO CAMINO HAS RECORRIDO, HOLLYWOOD!

  Nada es bueno ni malo, sino que el pensamiento lo hace así.

             William Shakespeare (1564-1616)


    La vida es una tragedia cuando se la ve en primer plano,

    Pero en plano general es una comedia.

                   Charles Chaplin (1889-1977)


  El viejo mito de poner orden al supuesto caos que nos rodea en todas las áreas de la vida, ha tentado al ser humano a dictaminar cada tanto leyes, códigos y reglamentos. 

   El cine, y más precisamente Hollywood, no escapó a esta premisa. Con esta intención, en 1930, Daniel Lord, Martin Quigley y Will Hays redactaron un código de censura que la Asociación de Productores Cinematográficos de EEUU puso en vigencia a partir del 31 de marzo de ese año y permaneció hasta 1963, con algunas modificaciones en 1956. Fue conocido como el célebre “Código Hays”.

   Comenzaba con tres “Principios Generales”:

No se autorizará ningún film que pueda rebajar el nivel moral de los espectadores.  Nunca se conducirá al espectador a tomar partido por el crimen, el mal, el pecado.

Los géneros de vida descritos en el film serán correctos, tenida cuenta de las exigencias particulares del drama y del espectáculo.

La ley, natural o humana, no será ridiculizada; y la simpatía del auditorio no irá hacia aquellos que la violenten.

   A continuación, y bajo títulos destacados, se especificaban diversas normativas sobre cada item. Estos eran:  CrímenesLa sexualidadLa vulgaridadBlasfemiasEl vestuarioEl baileLa religiónDecoradosTemas reprobablesEl alcoholEl desnudo.

   No es mi intención dar a conocer el texto íntegro, aunque su lectura completa resulta muy divertida a la par de los films que estamos viendo en esta época; en cambio mi propuesta es resaltar a continuación algunas “perlitas” muy llamativas.

   En Crímenes, el apartado c) recomienda: “La utilización de armas de fuego será reducida al mínimo estricto”.





En Blasfemias, “No se dará consentimiento al empleo en un film, de ninguna de las palabras de la lista siguiente: Dios: Señor, Jesús, Cristo (empleado con irreverencia); mierda, kilombo, jodido, jodedor, caliente (referido a una mujer), virgen, puta, mariquita, cornudo, hijo de puta, metido, chistes de w.c., historietas de viajantes de comercio y de hijas de granjeros, condenado, infierno (éstas dos últimas palabras se podrían contemplar de acuerdo a un cierto contexto).
En Vestuario, “El desnudo completo no se admite en ningún caso”. “Se prohíbe mostrar los órganos genitales de los recién nacidos”. “Queda prohibido mostrar a las mujeres quitándose las medias”. “Nunca un hombre deberá quitar las medias a una mujer”.
Refiriéndose al Baile, dice: “Todo menear de caderas y todo movimiento del bajo vientre, deben ser vigilados estrictamente”.
Mientras que en el tópico Sexualidad, se aclara que “Será mantenida la institución del matrimonio y el hogar en forma sagrada. . .
. . . en Decorados se sugiere que es preferible que las parejas casadas, duerman en camas separadas y si fuera imposible evitar la cama común, no se permitirá bajo ningún concepto mostrar a la pareja en la cama al mismo tiempo. En fin, evitar dar demasiada importancia a la cama”.
En Temas reprobables, entre otras cosas, “Se sugiere en caso de mostrar un cadáver femenino, evitar darle un aire seductor”. “La palmada en el trasero esta permitida si encuentra una justificación en la trama. Nunca será aplicada sobre las nalgas desnudas”.
En Decisiones particulares sobre la danza, acusa que “Aquellas que originan una agitación excesiva del cuerpo y movimiento de senos estando inmóviles, son un ultraje al pudor y son malas”.
. . . Y quisiera finalizar esta nota con la mayor paradoja:
“Las estadísticas económicas actuales, citan a la industria pornográfica como la de mayor ingreso de divisas en EEUU, mientras que sólo siete décadas atrás, en un apartado sobre Vestuario en donde se mencionaba la prohibición del exhibicionismo, se remarcaba que tampoco se podía mostrar el ombligo!”
Solo me queda exclamar:
“¡QUÉ LARGO CAMINO HAS RECORRIDO, HOLLYWOOD!”


Rogelio Chomnalez
Revista ADF, Nro. 26 - Junio 2009

LA CRUZ DE MALTA SE VA DETENIENDO…

ADVERTENCIA: Este artículo no es recomendable para aquellas personas que cuando vieron “Cinema

Paradiso” derramaron algún lagrimón.


David Saragusti, Gerente de Programación de la cadena Cinemark Argentina, nos invitó a la premier del film “Hannah Montana en concierto”, en la sala 10 del complejo de la calle Berutti, en Palermo. ¿La novedad? Se trata de la primera película que se proyecta en nuestro país en formato digital y en 3D. Luego de la proyección, nos reunimos con Saragusti y Hugo Carparelli -Responsable Técnico de la cadena- para conocer los detalles de este nuevo sistema de proyección que, tarde o temprano, se presume terminará reemplazando al clásico proyector de film.

Técnicamente, ¿en qué consiste el sistema de proyección digital?

Hugo Carparelli: Bien, a diferencia de los proyectores digitales hogareños que cuentan con una pantalla de cristal líquido delante de la lámpara para proyectar la imagen, aquí la luz de la lámpara llega a un prisma que descompone a ésta en tres haces de color puro: rojo, verde y azul. Cada uno de éstos es dirigido a tres chips, que son más o menos del tamaño de un fotograma de 35 mm. Lo novedoso del sistema es que cada chip está formado por 2000 espejitos movibles. Dicho movimiento, a favor o en contra del ángulo de incidencia del haz de luz, produce un reflejo de mayor o menor intensidad, dando lugar así al tono e intensidad correspondiente en cada sector de la pantalla. Algo realmente sorprendente de este sistema es que el movimiento de los pequeños espejos es producido por motores individuales. Cada chip tiene 2000 motorcitos. ¡Imagínense el tamaño de estos motores! Están desarrollados por nanotecnología, el chip se llama DDM, y la tecnología de proyección DLP (Digital Light Processing), desarrollada por Texas Instruments.
Durante su funcionamiento el equipo alcanza unas 60 temperaturas distintas y simultáneas que yo puedo supervisar en el panel de comando; ahí voy recibiendo toda la información de cómo están funcionando la bomba con líquido refrigerante y los ocho ventiladores, y lo puedo setear para que cuando llegue a una temperatura X, me avise que está alta e incluso si llegase a una zona riesgosa, el equipo se apague automáticamente. Es más, si el equipo está conectado a Internet, puedo chequearlo desde mi casa como si fuera una computadora remota.

¿Hasta acá sería para una proyección plana?

HC: Exacto, hasta acá sería 2D. Para proyecciones en 3D se implementa delante de la lente una pantalla que se llama Z-Screen.
Esta pantalla de cristal líquido polariza la luz y permite que la información que llega a los ojos fluya en estados circulares opuestos y alternados; esto, combinado con los anteojos que usa el espectador de polarización circular (sistema denominado Real D) permite moverse y ubicarse en cualquier lugar de la sala durante la proyección, sin perder el efecto tridimensional. La ventaja de este sistema (en comparación con el desarrollado por Dolby) es que no descuidaron lo que respecta al costo operacional: el anteojito, por ejemplo, es sumamente económico; y esto es importante ya que tiene una vida útil limitada, si bien se puede lavar y reciclar, pero a la larga se va rayando, amén de un porcentaje que se pierden al ser sustraídos por los espectadores.


Y yendo al principio de la cadena, ¿cómo se genera el material en 3D?

HC: La filmación en 3D implica dos cámaras montadas en un mismo sistema, de manera que ambos lentes mantengan una separación similar a la que tienen los ojos de las personas. A diferencia del sistema Imax, en el que la convergencia de la imagen es mecánica y obliga al ayudante de cámara no sólo a mantener el foco, sino también dicha convergencia, en Digital 3D las cámaras tienen un sensor de proximidad que detecta el objetivo que uno quiere filmar y busca electrónicamente la convergencia de la imagen.

Luego de un momento distendido recordando anteriores avances tecnológicos de filmación y proyección, como fueron el Cinemascope, Cinerama, Vista Visión, 70 mm., etc., David vuelve a entusiasmarse con las virtudes de la proyección digital.


David Saragusti: Esta nueva tecnología posibilita también relanzar material que fue exitoso en otra época y del cual no hay buenas copias para poder reestrenarlo. Ahora lo podemos tener en digital; digital quiere decir copia nueva. Antes era muy costoso contar con una copia nueva para un reestreno, porque implicaba traer un internegativo y poner al laboratorio a tirar una cantidad de copias que justificara la inversión. Ahora mandan el disco rígido, lo ponés y tenés siempre la calidad de la copia nueva. No se pierde nunca. Es data digital. Incluso para algunos reestrenos, se está haciendo el proceso de pasar las películas a 3D.

¿Una película originalmente plana?

DS: ¡Si! Enhebran la película ya filmada o el internegativo en un equipo especial que, con dos cámaras, genera un registro doble. Al primer fotograma le saca una foto en alta definición de un ángulo, al fotograma siguiente le toma una foto del ángulo opuesto y así sucesivamente con todo el rollo.
Este efecto hace que el ojo reciba un fotograma de un lado y otro del otro, entonces gracias a la persistencia óptica, más la polarización distinta que tiene un fotograma con respecto al anterior, y con los anteojos que ayudan a separar más la polarización, hace que uno vea en 3D. En realidad es un efecto que está creando el cerebro.
¿Esto se puede hacer con cualquier película?

HC: Sí, pero como es muy costoso, se trata de hacer con aquellos títulos que justifican el efecto. Con una película de Woody Allen, por ejemplo, llena de diálogos y sin acción, no tendría sentido. Otra de las condiciones que traen los films es que si no fueron subtitulados en origen, es imposible que nosotros lo hagamos. No tenemos la tecnología para manipular esa información.

¿Y eso por qué?

HC: Implementaron esa medida para evitar la piratería. Cada película viene encriptada con una clave especial para el equipo en que se va a proyectar, incluido el tiempo de programación; por ejemplo: del 1º de enero al 2 de febrero. Llegada esa fecha y hora determinada, automáticamente la película se bloquea. La tengo en el disco rígido, pero no la puedo cargar. En caso que quiera volver a habilitarla, me tienen que mandar por e-mail otra clave.

Spielberg una vez dijo: “Mientras haya un laboratorio de cine que procese material fílmico en el mundo, yo voy a filmar en celuloide, por el grano, la textura y el enorme rango de grises”.

HC: (Risas) Es verdad que en cuanto a escala, en el sistema digital, el negro es muy difícil de lograr, no resulta muy real, eso hay que reconocerlo. Pero en cuanto a calidad de imagen, a pesar de que acá estamos trabajando con 2000 píxeles, y en un fotograma de fílmico hay millones de granos (o píxeles, podríamos decir), existe una diferencia a favor del digital en la proyección: en el proyector tradicional llega una imagen a la ventanilla, se detiene, recibe dos golpes de luz y cambia a otro fotograma, y así sucesivamente 24 veces por segundo; y a diferencia de la cámara filmadora, que tiene la contragrifa que clava el fotograma, el proyector no la tiene, y eso genera cierta inercia, es un sistema mecánico. Resultado: se produce una pequeña oscilación que le quita nitidez, cosa que en el digital no ocurre.
Y otro factor importante: el formato digital garantiza que se va a proyectar lo que el Director de Fotografía acordó en cuanto a tonos y niveles… Y en las proyecciones en fílmico, aún en condiciones técnicas ideales, esto nunca sucede.



DS: Y está el asunto de tener todo este material filmado en 35 mm, guardado y archivado correctamente; el problema con el que conviven los productores y distribuidores de todo el mundo. El costo que genera el espacio necesario, las cámaras de frío, el personal, etc. El material digital supone un gran abaratamiento en la instancia de almacenamiento.

Y cuando sintamos que la proyección digital ya es algo anticuado, ¿qué va a ser lo próximo...?

DS: ¡La idea está! Se están haciendo pruebas con un sistema de hologramas generados por láser ubicando al escenario en medio de una sala circular, como se hizo con el Pájaro Loco virtual que subió al escenario en la entrega de los premios Oscar. Un holograma, una figura corpórea 3D en el aire.


Y LA CRUZ DE MALTA SE VA DETENIENDO… INEXORABLEMENTE.


Entrevista por Rogelio Chomnalez (ADF)
Revista ADF, Nro. 25 - Enero 2009



LA FÁBRICA DE HACER PELÍCULAS Y LA HISTORIA VUELVE A REPETIRSE

-"PROHIBIDO PASAR - Los guardias tienen orden de disparar"
... Rezaba cada tanto sobre el alambrado perimetral de la zona de rodaje en San Lorenzo a 9 Km. de la ciudad de Salta. En el centro de esta extensa área cercada, arquitectos y mano de obra Argentina, bajo dirección y diseño de gente de Hollywood, levantaron la fachada exterior de un castillo ruso (caucásico) con todos los retoques necesarios que daban la apariencia final de encontrarse enclavado allí desde hace cien años. Me estoy trasladando a 1961, al rodaje de "Taras Bulba", dirección de J. Lee Thompson, DF. Joseph MacDonald y actuaciones de Yul Brynner, Tony Curtis y Chistine Kaufmann. Estuve presente como extra, lo que me permite contar cosas de las que fui testigo y algunos otros rumores que ahí circulaban.
Esta filmación, en realidad, fue el punto de partida experimental de un proyecto mayor desde el norte, que consistía en rodar fuera de EEUU, sobre todo superproducciones que requerían movilizar gran despliegue humano, evitando impuestos internos, abaratando costos en otras locaciones del planeta, muy tentadoras para ellos; fenómeno que hoy vuelve a repetirse (ver nota aparte)... Nuestro país les ofrecía varias ventajas: diversos paisajes, sobre todo la región contigua a la cordillera de imponentes montañas, una tradición de buenos jinetes y caballos, el rostro argentino y color de piel en general, un buen partido como extra, y sobre todo la mano de obra barata. Se comentaba que continuarían con una serie del género western..., pero los planes naufragaron y terminaron instalándose en España. Los rumores que circulaban era que tuvieron serias dificultades con la gente local. SICA fue aumentando sus exigencias y por otro lado habían obtenido gran cantidad de extras gratis en soldados, que bajo el mando de oficiales del ejército, que seguramente fueron bien pagos, comenzaron a boicotear las tomas de gran despliegue, desmontando masivamente de los caballos una vez que todo estaba alineado a la distancia y la orden de acción era inmediata. Era muy divertido ver galopar furiosos a los oficiales en procura de ser obedecidos como en los cuarteles. Compartí las quejas de los soldados que sabían que nosotros los civiles cobrábamos $350.- por día, y a ellos por estar en el servicio militar, los usaban gratis.

El mecanismo de citación era el siguiente: A través de anuncios diarios a toda página en el periódico local, se mencionaba a quienes requerían en determinado día (húsares, campesinos, cosacos, etc.), siempre a las 07.00 hs. en la locación de San Lorenzo. Uno tenía que madrugar, llevar su propia vianda y trasladarse en el colectivo local hasta el lugar. Una vez allí, con una "tarjeta carnet", cada uno pasaba por diferentes camiones que portaban todo tipo de ropajes y accesorios, muchos con etiquetas de Cinecittá; retiraba lo que le correspondía, acción que era minuciosamente escrita y sellada en dicho carnet; igualmente al final de la jornada, con su devolución. Con este carnet debidamente registrado, uno pasaba en otra ocasión por el hotel Salta a cobrar. Éste fue totalmente desalojado y copado por Hollywood. Sacaron todos los cuadros originales y colgaron sus pizarras y planillas de producción.
En el rodaje de las grandes escenas era donde esta "fábrica" ponía en movimiento a full sus mecanismos y engranajes. Desde las 07.00 hs., hasta las 15.00 hs. en que se gritaba ¡acción!, todo era puro preparativo. El director no figuraba en estas escenas, se la pasaba sentado en su silla etiquetada bajo una sombrilla, aplicándose crema para el sol, en cambio un señor con un libro enorme (seguramente una especie de storyboard), se ocupaba de distribuir las tres cámaras Mitchell en sus respectivas grúas, en los ángulos estratégicos. Otra cantidad de cámaras menores, sobre trípodes o mangrullos, para captar planos de montaje. y finalmente un par de pequeñas, tipo Arri, enterradas en diferentes sitios del campo de batalla, con la lente a ras del piso. En ese mismo campo se distribuían esqueletos de caballos muertos (hechos de alambre y forrados con cueros de animal verdadero). A las tres de la tarde y a la orden de ¡cámara, acción!, unos cuarenta mejicanos armados (asistentes), se entremezclaban con los caballos disparando al aire, enloqueciendo a éstos en pos de un mayor realismo. Al finalizar esta única toma, captada con numerosas cámaras que producían una secuencia con todos los planos necesarios de montaje, uno de esos mejicanos, gritaba a través de un megáfono, el clásico chiste yanqui: ¡Gracias cuñados!, y se daba por finalizada la jornada.
Los extras que se dejaron rapar al estilo Yul Brynner, cobraron un plus y éste tenía cinco dobles para escenas de riesgo, que habían sido seleccionados mediante una serie de pruebas a caballo. Una de ellas consistía en levantar a todo galope, un pañuelo alisado sobre el terreno. El mejor jinete resultó ser una mujer esposa de un oficial del ejército.
Recuerdo una de estas grandes escenas de batalla en que todos debían arremeter contra la entrada del castillo. La consigna era que una vez llegados allí, se abrirían las puertas del mismo. Pero la realidad fue diferente. No las abrieron, apareció arriba de este una enorme tinaja oculta que fue desplazada en un carrito hasta el borde, donde tumbó y arrojó un violento líquido naranja (a la manera del famoso aceite hirviendo de nuestras invasiones inglesas), que volteó a cuanto jinete y caballo tocó. Se comentaba que alguien murió; pero como ellos traen su propio médico, seguramente diagnosticó fallecimiento por fuerte resfrío y la cosa siguió adelante.
Al final llegaron órdenes de rodar aunque lloviera, por los atrasos que se habían producido, es así que al único que se veía agitarse dando órdenes aquí y allí, era un señor bajito: Harold Hecht, el productor.
Habían alquilado gran cantidad de casas particulares en donde se alojaban los actores principales y todo el personal jerárquico de la producción, asimismo tomaron en alquiler muchos autos particulares que operaban para ellos como remises. Se comentaba que solamente en Salta. habían dejado la suma de 12 millones. El largo tiempo transcurrido, no me permite recordar si se hablaba de dólares o pesos.
Logré verla en el cine tiempo después de su estreno. Busqué desesperadamente mi rostro en algún fotograma de las tomas de muchedumbre que no hallé, y pienso: "¿Habrá sido esta primera experiencia frustrante de no alcanzar a integrarme a la galería de extras famosos, el que posteriormente me inclinara a la Dirección de Fotografía?".






Rogelio Chomnalez
Revista ADF, Nro. 24 - Septiembre 2008

PEQUEÑA JOYITA EN 3-D . . . NO SERÁ IMAX, PERO NO TIENE NADA QUE ENVIDIAR

El 29 de agosto próximo pasado, un pequeño anuncio en un periódico sobre un espectáculo para el día siguiente, despertó mi curiosidad. Su título “Novela Rosa”, seguido por el siguiente texto: “Fotonovela proyectada en 3-D. Para su visualización requiere el uso de anteojos polarizados”. Era gratuito, pero solicitaban hacer reserva telefónica. Cuando llamé, me anunciaron que ya estaba todo completo; y a mi pregunta: -¿es una película?, me respondieron: -¡no!, es una fotonovela. El aumento de mi curiosidad me llevó a presentarme de todas formas y anotarme en una lista de espera. Tuve suerte, y es así que al ingresar al día siguiente en el teatro Piccolino de la calle Fitz Roy, me dieron un par de anteojos, al igual que en el complejo Imax, y terminé sentado en una grada al lado de un señor que controlaba dos pequeños proyectores digitales, montado uno sobre otro con sus respectivos lentes bien próximos y cubierto cada uno con un filtro. Se oscurece la sala, la pantalla se llena de corazones y sobreimprime: “En el principio la vida es de color rosada como el amanecer de un día de tormenta, como una fruta que irá coloreándose hasta pudrirse . . .” A partir de allí un sencillo argumento que retrata la relación entre una joven pupila y su tutor, sirve de justificativo para un verdadero despliegue de creatividad que Marianela Fasce, su directora, define como “kitsch, barroco y glamorosa”.


Al igual que las fotonovelas de los años 50/60, una sucesión de fotos fijas tratadas con efectos digitales, de 20 minutos de duración, dan paso a una estética que me impactó por el rigor y creatividad en todos los rubros: iluminación – escenografía – vestuario – banda sonora – post-producción digital y el tiro de gracia, amén del lanzamiento de olores en la pequeña sala, el 3-D, que es una verdadera novedad proyectado en forma tan sencilla, pero con excelente resultado. Marianela captura al espectador con fotografías estéticamente imponentes donde prevalece una gama furiosa de fucsias, turquesas y dorados.
La idea de “Novela Rosa” fue un coctail entre un guión de mi hermano Romeo, basado en la obra de Corin Tellado, me comenta Marianela; el vestuario inspirado en el libro “Fruits” con fotos de adolescentes japoneses con un look muy fuerte; la escenografía en la película tailandesa “Las Lágrimas del Tigre Negro”; la obra de Pierric Sorin y mi amigo Andrés Muschietti, director de publicidad, que terminó protagonizando la fotonovela y que estaba investigando con 3-D analógico . . . luego apareció un artista digital: Felix Larreta, que puso la tecnología al servicio del arte, y agrega: - “tengo la suerte de estar rodeada de profesionales talentosos que colaboraron con su trabajo para que estéticamente el resultado sea impactante. La idea era despertar los sentidos de los espectadores, envolverlos en sensaciones. Todo el proceso creativo, que duró 3 años, fue experimentación absoluta”.
Esta entrevista la hice vía mail, ya que Marianela Fasce viajó al día siguiente de la proyección a Barcelona, lugar donde realizó “Novela Rosa”, por un futuro proyecto. Paralelamente me comenta que los resultados positivos de “Novela Rosa”, la estimulan a fantasear con realizar una segunda fotonovela en 3-D; esta vez en Buenos Aires, pero acompañada de la gente que trabajó en la anterior en Barcelona.
A la pregunta: -¿cuáles son tus antecedentes?, es decir todo lo anterior a “Novela Rosa”, Marianela desplegó una intensa trayectoria artística:
De los 6 a los 12 años concurrí a un taller de artes plásticas en el museo Enrique Larreta. Allí nació mi amor por las artes visuales. Luego seguí estudiando pintura con distintos profesores.
A los 19 años asistí al curso de escenografía e iluminación de Gastón Breyer quién me enseñó a pensar en tres dimensiones.
Mas tarde, y durante 3 años, trabajé en el departamento de arte de la productora de cine publicitario de “Pucho” Mentasti. En forma paralela comencé a hacer fotografías con mucha producción y color.
A los 23 años asistí a un curso de iluminación en fotografía en el International Center of Photography en New York.
Entre el 2001 y 2006 estuve en Barcelona trabajando como Directora de Arte en anuncios publicitarios, video clips, eventos, etc.
En el 2003 recibí un subsidio de la fundación 30 km/s de Barcelona para desarrollar el proyecto “Novela Rosa”.
En el 2005 estuve en Neuquen encargada de la Dirección de Arte del largometraje “Glue” de Alexis Dos Santos, que ganó como mejor película en el BAFICI 2006, junto a otros premios internacionales.
En el 2006 viajé a Einhoven, Holanda, para participar el “Festicumex” de Dick El Demasiado, en el Vanhabenn musuem, realizando la ambientación del museo para el evento.

. . . espero tener la oportunidad de poder ver nuevamente “Novela Rosa”, y también, porque no, tener la esperanza de asistir a la brevedad a su segunda fotonovela. . .

Dirección Marianela Fasce
Diseño técnico y post-producción Felix Larreta
Arte/vestuario Laura Felgueras y Lucy Tellett
Iluminación Sebastián Sarraute
Actuaciones Andrés Muschietti, Gabriela Merta, Valentina Medrano, Alessandra Pinto y Miriam López García.

Rogelio Chomnalez
Revista ADF, Nro. 23 - Abril 2008

Tandil Cine 2007 (Una manera de ampliar la mirada)

Nada mejor que este título para describir la gran variedad de películas, formatos y tratamientos dentro de este Séptimo Festival Argentino Competitivo. Sí, quisiéramos remarcar -antes de hablar de cine-, del buen hacer, las ganas y entusiasmo de los organizadores, los estudiantes y toda la ilusión y el interés tan desinteresado por parte de las diversas áreas que constituían el mismo.
Once películas en competencia de largometraje y ocho en la de óperas primas fueron los films que vimos para definir y otorgar nuestras estatuillas a la Mejor Dirección de Fotografía en ambas competencias - Rogelio Chomnalez, Marc Cuxart y Adrian Botella (fotógrafo propuso por el festival para el evento) éramos los integrantes de dicho jurado.
Quisiéramos mencionar el gran desconcierto que nos produjo el largometraje “Canadá”, dirigida por Raúl Perrone y fotografiada por Ángel Arozamena, la que nos dejó un gran interrogante sin entender: ¿una nueva propuesta quizás?… “El amor y la ciudad”, de Teresa Costantini, con fotografía de Héctor Morini (ADF), fue una propuesta fresca e interesante. En la categoría “Ópera prima”, la gran sorpresa fue “El desierto negro”, de Gaspar Scheuer, fotografiada por Jorge Crespo. Este film, sólo dos meses antes, integraba la lista de las veinte películas de competencia en el BAFICI y, también por unanimidad, en dicha oportunidad se llevó en sus manos el Premio del Jurado ADF -ahora en Tandil se lo llevaría nuevamente. Una película sabiamente lenta, rodada en HDV con su posterior tape to film para ser ampliada a 35 mm, es un contundente ejemplo de extrema creatividad y trabajo mancomunado entre director y DF, demostrativo de que cuando esto ocurre queda superado todo análisis sobre soportes y técnica. Con un tratamiento en clave de cómic (como se da en llamar ahora) y con mayoría de escenas en exterior a campo abierto (situaciones muy conocidas por nosotros como difíciles de controlar), éstas son magistralmente impresas apelando a todos los recursos técnicos / estéticos: horarios clave de rodaje (hora mágica), composiciones de cuadro, elección de lentes, desenfoques, profundidades y un contraste extremo que redondea la idea, rompiendo así la regla sobre formatos poco agradecidos y de bajo presupuesto. Scheuer, conocido profesionalmente en la industria como sonidista, elaboró en éste, su primer largometraje, una notable banda sonora, y en el planteo argumental logró una nueva vuelta de tuerca sobre el clásico y mítico gaucho perseguido, como lo son Juan Moreira, Martín Fierro, etc…
Dentro de la competencia de largometrajes, nuestro premio fue para Marcelo Lavintman (ADF) por “El otro”, de Ariel Rotter. Situaciones sobrias y sutiles contadas en un lenguaje por momentos de bajas luces, atrevido y audaz, y de gran preciosismo en otros, contribuyendo así a la idea del film.


Rogelio Chomnalez (ADF), Marc Cuxart (AEC, ADF)
Revista ADF, Nro. 22 - Octubre 2007

LARGOMETRAJES, CORTOMETRAJES, PUBLICIDADES... ¡Y DOCUMENTALES!

Esta breve noticia de un periódico, podría justificar un segundo título:

¡LA REALIDAD SUPERA LA FICCIÓN!


. . . Y los espectadores hambrientos de verdad, denuncia y curiosidad, están respondiendo a un género considerado hasta hace poco como aburrido, generando un boom de producciones y exhibiciones en todo el mundo.
La idea me la franqueó la foto mas difundida de Robert Capa: el soldado baleado y a punto de caer en la guerra civil española. El mérito de ella reside en el riesgo del fotógrafo de transitar el campo de batalla y haber disparado su cámara en el mismo instante que el fusilero. Esta toma sintetiza el hecho documental que pide “estar en el lugar indicado y en el momento preciso”. Cuando quise trasladar este análisis a los films que lograron impactarme, encontré un amplio abanico que no necesariamente siguen esta regla.
Luc Jacquet transitó durante un año otro campo de batalla, inmenso, con 50° bajo cero, arrasado por tormentas de viento y nieve en la Antártida; luchó junto a su equipo contra las mas extremas inclemencias del tiempo. Obtuvo un film maravilloso, deslumbrante: “La Marcha de los Pingüinos” (2005). –“Fue la pasión por mi trabajo lo que me ayudó y sostuvo durante los meses de filmación con el viento que parecía llevarse a todo el equipo”, confesó y agregó: -“La película gusta tanto porque la naturaleza siempre inventó los guiones mas bellos”. Un par de años antes (2001), otra joyita: “Tocando el Cielo” (Jacques Perrin), y quisiera confesar que si por algo extraño no tener TV., es por tres canales exclusivos de documentales: National Geographic, History Channel y Animal Planet.
En esta línea quisiera recordar una producción de Disney en 1953 rodada en Arizona: “El Desierto Viviente”. El éxito alcanzado por este film, generó la apertura de una división documentales en la casa Disney, donde armaron diversos equipos que enviaron a los cuatro puntos cardinales a filmar todo tipo de acontecimientos de la naturaleza al mejor estilo que hoy efectúa National Geographic. Dos anécdotas al respecto. Nuestro fallecido colega Anibal Gonzalez Paz, fue contratado en aquella oportunidad para filmar, no recuerdo que bicho en Brasil, para lo cuál contaba él, se instaló con una carpa frente a su cueva en espera que se asomara. Finalmente estuvo allí durante un mes hasta que pudo registrarlo. La otra me tocó a mi cuando viajamos a filmar un comercial en la Isla de los Pájaros en Puerto Madryn y terminamos alojados en un hotel de la zona junto a tres integrantes de un equipo de Disney que esperaban el arribo de las ballenas. Entre los meses de septiembre a diciembre, desde la madrugada se turnaban para el avistaje en una loma con binoculares, provistos de botes de goma con motor fuera de borda, equipos de buceo y cámaras sumergibles de 16 mm.

En 1996 “Microcosmos” de Nuridsany y Perennon.; y no quisiera olvidar de mencionar a Jacques Ives Cousteau y su enorme producción en los mares del mundo.
Hoy, la gran popularidad del género en pantalla grande la disparó Michael Moore y sus ampliamente difundidas “Fahrenheit 9/11” (2004) y “Bowling for Columbine” (2002).
-“Aquellos documentales que nos atrapan, son los que cumplen con las mismas reglas que una buena película de ficción: Una gran historia, utilizando personajes interesantes”, confiesa Nicolás Entel en un artículo en La Nación, y de ser así, quisiera mencionar antes que nada dos estrenos recientes: “Tarnation” (2003) y “Capturando a los Friedman” (2003). En el primero, Jonathan Couette (EEUU), graba desde los 11 años todos los acontecimientos y representaciones de su desgarrador infierno personal y su trágico entorno familiar, sin tener conciencia que con este “diario personal”, confesional, logra sacar afuera su angustiante problemática cotidiana. Veinte años después, hoy tiene 32, hace catarsis cuando se sienta a montar todo ese material de diversos soportes: 8mm., super 8, video, fotos, grabaciones de audio, etc., y logra un autodocumental único, crudo, desgarrador. En el segundo, Andrew Jarecki gracias a una relación de confianza con la familia Friedman, logra adentrarse en la forma mas objetiva sobre un caso de pedofilia de gran repercusión en EEUU.
Cuando en 1895 los Hnos. Lumiére plantan su cámara frente a una fábrica y a vuelta de manivela registran los obreros saliendo de ella, están imprimiendo el primer film y paralelamente el primer documental de la historia del cine.
Numerosos consagrados directores de ficción, cuentan en su haber con gran cantidad de documentales como prácticas de comienzo; tal el caso de Abbas Kiarostami y Alexander Sokurov, por ejemplo.
En los años 60 se destacó un francés con una obra atípica de 120 títulos, venía filmando desde 1947 y continuó hasta el 2003, al que se denominó “Cinema Direct” o “Cinema Verité”: Jean Rouch.
En el año 1962 hizo impacto un provocativo documental sensacionalista, bizarro, ecatológico, montado con algunas situaciones reales y muchas otras fabricadas: “Mondo Cane” de Gualtiero Jacopetti, que desencadenó un escándalo cuando trascendió que Jacopetti intercedió en una escena real de una ejecución, no recuerdo en que conflicto de ésa época, para que la misma se efectuara en otro sitio próximo, ya que ofrecía mejores condiciones de luz para registrarla.
Entre los mitad ficción y mitad realidad, hace poco vimos el docudrama “La Historia del Camello que Llora” (2003) de Falorni y Davaa, y en el año 1969 “Médium Cool” dirigida por el excelente Director de Fotografía Askel Wexler.
Tres films que plantean diferentes teorías. En “Recuerdos del Futuro” (1968) de Von Daniken, se trata de demostrar nuestra descendencia de extraterrestres. En “La Crónica Hellstrom” (1971), Spiegel y Green, plantean que en un supuesto futuro, cuando todo vestigio de vida desaparezca de la Tierra, sólo un pequeño y repulsivo insecto seguirá transitando: la cucaracha, que no solo logró adaptarse a los mas extremos climas del planeta, sino que fue el único ser vivo que resistió la primera prueba atómica en el desierto de nevada en USA. Premio en Cannes y Oscar al mejor documental. Finalmente la recién estrenada: “¿Y Tú Que Sabes?” (2004), de Vicente, Arntz y Chasse, donde se plantea últimas teorías de acercamiento entre ciencia y espiritualidad. Algunos cronistas la clasificaron con una sola estrella (*), y otros directamente pusieron “mala”, De mi parte quisiera defenderla abiertamente.
Un excelente y entretenido falso documental de Woody Allen: “Zelig” (1983), exquisitamente fotografiado en blanco y negro por Gordon Willis, contando la historia de un hombre camaleónico; y un divertido experimento contra la comida chatarra en “Super Size Me” (2004) de Morgan Spurlock.

En otra variante, mezcla de documental y ensayo poético-político, el director brasileño Jorge Furtado, descompone en forma divertida y mordaz los mecanismos de la globalización en “La Isla de las Flores” (1989), y el autríaco Hubert Sauper, narra una cruel paradoja en Tanzania en: “La Pesadilla de Darwin” (2004).
Cuando los Hnos. Dardenne (“El Niño”, “El Hijo”, “Roseta”), filman sus ficciones cámara en mano, al igual que Cristi Puiu (“La Noche del Sr. Lazarescu”), o Sorin y Reygadas, igual que hace años Pasolini, no usan actores profesionales, ¿acaso no hay una cierta intención de aproximar sus narraciones al estilo documental?
En el festival de Mar del Plata del 2001 llegó “La Luz me Acompaña” (2000) de Carl Nykvist, hermoso homenaje a nuestro colega Sven Nykvist que trabajó en 20 producciones con Ingmar Bergman; y el año pasado en el 8° BAFICI triunfa como mejor película un documental mexicano: “En el Hoyo” (2005) de Juan Carlos Rulfo. En el mismo festival se vió un notable e innovador exponente de ficción documental: “Los Primeros en la Luna” (Rusia-2005) de Alexei Fedorchenko.
Al Gore, ex vicepresidente de USA, acaba de lanzar al mercado un film interesante, muy bien documentado sobre los problemas del calentamiento global: “La Verdad Incómoda” (2006) dirigida por Davis Guggenheim; casi seguro su arma de campaña para postularse en las próximas elecciones.
Al cerrar esta nota leo en Clarín que el film “En la Sombra de la Luna” dirigida por David Sington, se ha convertido en el primer éxito documental del festival de cine independiente Sundance 2007, y otro documental estadounidense: “Líbranos del Mal” (2006) de Amy Berg, que ya aspira al Oscar, muestra el primer testimonio de un sacerdote católico condenado por pederastia.
En nuestro país un señor dedicó su vida al documental, lleva realizado mas de 70 films y numerosos premios internacionales, pero cada vez que lo entrevistan, confiesa: -“Aquí nadie me conoce”. Me refiero a Jorge Prelorán, y en cierta medida tiene razón, muchos de sus films etnobiográgficos están alojados en USA, donde encontraron mayor difusión.
En los años 60, Pino Solanas alcanzó repercusión con “La Hora de los Hornos” (1966/68), de difusión clandestina, había que ser invitado a alguna proyección privada para verla. Mas tarde Solanas se volcó a la ficción con varios largos en su haber y hoy amparado en las nuevas técnicas, detrás de una camarita digital, ha vuelto a la denuncia en: “Memorias del Saqueo” (2003) y “La Dignidad de los Nadies” (2005) y proyecta filmar: “Argentina Latente”, “Los Hombres que Están Solos y Esperan” y “La Tierra Sublevada”.
“Sed, Invasión Gota a Gota” (2004), de Mausi Martínez, “Cándido López, los Campos de Batalla” (2005) de Jose L.García, “Los Próximos Pasados” (2006) de Lorena Muñoz, “Vida en Falcon” (2004) de Jorge Gaggero, “Balnearios” (2002) de Mariano Llinás, “Raúl Barboza, el Sentimiento de Abrazar” (2003) de Silvia Di Florio, “Bonanza” (2001) de Ulises Rosell, “Porno” (2004) de Homero Cirelli, por nombrar algunos recientes, y sobre todo “Fuerza Aérea S.A.” (2006) de Enrique Piñeyro, que logró hacer mella y modificar ciertas estructuras a través de su denuncia.
Se que han quedado muchas películas en el tintero, y quizás algunas muy importantes, pero quisiera aclarar que solo recurrí a mi memoria citando únicamente los films que pude ver, a modo de análisis del género, sin ninguna intención discriminatoria.


Rogelio Chomnalez
Revista ADF, Nro. 21 - Junio 2007